„Leicht muss man sein“

Wenn Arabella gleich bei ihrem ersten Auftritt im Hotelzimmer einen Rosenstrauß erblickt, von dem sie, wie man später erfahren wird, hofft, dass jener Fremde ihn geschickt haben möge, der ihr zuvor auf der Straße begegnet war („Die schönen Rosen! Hat die ein Husar gebracht?“), lässt Strauss die Gelegenheit nicht ungenutzt: In Flöten und Violinen rankt sich ein Motiv herab, das unüberhörbar an die klangliche Emblematik der silbernen Rose aus dem ROSENKAVALIER erinnert – ein „alter Duft aus Märchenzeit“ weht herüber, um das letzte der Melodramen aus Schönbergs PIERROT LUNAIRE zu zitieren. Doch der Zauber verfliegt rasch. Kaum hat Arabella erfahren, dass die Rosen von Matteo seien, stellt sie sie resolut in die Vase zurück, und die ROSENKAVALIER-Arabeske bricht nach einem erneuten kurzen Aufklingen abrupt ab. Das artifizielle Ritual der Rosenübergabe hat ausgedient – an seine Stelle wird in der letzten Szene des dritten Aktes „der symbolische Trunk reinen Wassers“ treten, vielleicht als Zeichen des „Erwachen[s] […] in eine klarere, menschlichere“ Welt, wie es Theodor W. Adorno, Strauss gegenüber gewiss nicht unkritisch, nach der Frankfurter Erstaufführung der ARABELLA im Dezember 1933 erwog.

Tatsächlich nahm Strauss’ und Hofmannsthals ARABELLA-Projekt seinen Anfang bei dem Wunsch des Komponisten, „einen zweiten ‚Rosenkavalier‘ ohne dessen Fehler und Längen“ zu schreiben (Brief an Hofmannsthal vom 8. September 1923). Immer wieder kommen er und sein Librettist im Verlauf der Arbeit auf das ältere Werk, ihr mit Abstand erfolgreichstes, zurück, und geradezu obsessiv beschwört Hofmannsthal etliche Male den Gedanken, es müsse „doch mit dem Teufel zugehen, wenn […] die Spieloper nicht besser würde als der ‚Rosenkavalier‘, einheitlicher im Stil, und Text und Musik wirklich wie Hand und Handschuh“ (Brief an Strauss vom 13. August 1928). Den Kern dieses Strebens nach Selbstüberbietung, das zugleich die Schwächen des ROSENKAVALIERS beheben soll, bildet das Ansinnen, die Rolle der Musik neu zu justieren, ihr jene diskrete Leichtigkeit zu geben, die schon beim ROSENKAVALIER am Platz gewesen wäre, dort aber – laut Hofmannsthal – im Bann eines allzu symphonischen Komponierens von Strauss verfehlt worden sei. Wortreich und mit rhetorischen Finten, die darauf zielen, Strauss jede Sorge vor drohendem Niveauverlust in Richtung Lehár’scher Operette zu nehmen, versucht Hofmannsthal, seinem künstlerischen Partner das Entscheidende nahezubringen (Briefe vom 26. Juli und vom 14. September 1928): Es gehe weder um Banalisierung noch um die Rückkehr zu „naivere[n] Kunstformen“ wie etwa den Singspielen Albert Lortzings – derlei lasse sich natürlich nicht einfach „erneuern“, ohne dass es dilettantisch würde. Und doch könne es gelingen, den dort kultivierten Stil auf höherer Stufe zu realisieren, nämlich in bewusster Hintanstellung des seither gewonnenen Reichtums orchestraler Möglichkeiten. Ein gezieltes „Weniger von Musik“ als Resultat „gesteigerter Kunsteinsicht“ schwebe ihm vor, Selbstbeschränkung im Wissen um die Fülle, die sich aus dem „gelehrten deutschen Musikgeist“ ergebe, Zurücknahme dessen, was darin ein „Zu-viel“ sei, konkret die Verlagerung der „Charakteristik […] in den Gesang“, dem das Orchester „nur begleitend“ an die Seite treten solle, ohne sich symphonisch auszuleben. Würde ein „ganz reifer Meister“ dergestalt „ein wenig über seinen Schatten […] springen […] –, dann wäre vielleicht etwas schlechthin Bezauberndes zu gewinnen“. Er, Hofmannsthal, glaube jedenfalls, mit seinem ARABELLA-Text hierfür die Basis gelegt zu haben (Brief vom 22. Dezember 1927): „Ich sehe [die Handlung] vor mir, wie ein Schiffsbauer ein richtig konstruiertes Schiff vor sich sieht, bei dem Tiefgang, Ballast und Segelfläche richtig ausgewogen sind. Der Wind, der in die Segel blasen muß, ist Ihre Musik. Aber wenn das Schiff eben sehr gut und leicht gebaut ist, und Sie würden (Gott behüte!) nur mit halber Kraft hineinblasen, so müßte es dennoch gute Fahrt haben.“

„Nervöse Contrapunkte“ und „feiner differenzierte Psychologie“

Das Textbuch als Segelschiff mit „Tiefgang“, aber in Leichtbauweise, weshalb die Musik nur „halbe Kraft“ zu geben brauche: So wollte Hofmannsthal Strauss überzeugen, eine analog auf Leichtigkeit und Dezenz angelegte Partitur zu komponieren, die dennoch niemals Gefahr laufe, in das seichte Gewässer der Operette zu geraten (neben Lehár, den Strauss verachtete, bildete die FLEDERMAUS, die er schätzte, aber nicht für imitierbar hielt, einen wichtigen Bezugspunkt in den Diskussionen zwischen ihm und Hofmannsthal). Strauss’ Antwort fiel recht lapidar aus (Brief vom 26. Juli 1928): „Was Ihre prinzipiellen Mahnungen, den musikalischen Stil betreffend, anlangt, so verstehe ich Sie vollkommen. Sie haben auch ganz recht! […] Daß trotzdem ein Deutscher niemals ein Italiener werden kann, wußten schon Goethe und Mozart!“ Den „deutschen Musikgeist“, so wie er ihn auffasste, nämlich als Erbe Beethovens und Wagners – diesen „deutschen Musikgeist“ zu verleugnen, wäre Strauss niemals in den Sinn gekommen. Und das bedeutete für ihn, an jenen „nervösen Contrapunkte[n]“, jener subtilen, polyphon entfalteten Leitmotivik im Orchester festzuhalten, ohne die keine „feiner differenzierte Psychologie“ zu erreichen sei („Betrachtungen zu Joseph Gregors Weltgeschichte des Theaters“, 1945).

Die Beispiele hierfür sind auch in ARABELLA Legion. Exemplarisch könnte man auf das Orchestervorspiel zum dritten Akt verweisen, wegen seiner Schilderung dessen, was zwischen Zdenka und Matteo im Hotelzimmer vorgeht, zuweilen als pornographisch geschmäht, natürlich auch der Orchestereinleitung zum ROSENKAVALIER verwandt, zugleich aber durch die musikalische Rückbindung an die mit den Figuren verknüpften Themen und Motive ein Psychogramm der zwischen ihnen herrschenden, komplexen und verworrenen Beziehung (Hofmannsthal wäre von dieser symphonischen Entladung kaum begeistert gewesen – „die viele Musiziererei bei herabgelassenem Vorhang ist mir ein Greuel“, so hatte er am 22. Dezember 1927 an Strauss geschrieben). Und es ließen sich ganze Abhandlungen verfassen über die Art und Weise, wie Strauss den einprägsamen Beginn der Melodie von Arabellas Gesang im ersten Akt – „Aber der Richtige“ – immer wieder in den Orchestersatz einflicht, an Stellen, wo es naheliegt, aber auch an solchen, wo man es nicht erwarten würde. Wenn Arabella ihrer Schwester Zdenka berichtet, dass „ein fremder Mensch heut vormittag“ auf der Straße vor dem Hotel sie „mit großen, ernsten, festen Augen“ angeschaut habe und sie nicht verwundert gewesen wäre, von ihm Blumen zu erhalten, dann lassen die Pianissimo-Einwürfe des Orchesters keinen Zweifel zu: Arabella glaubt, den „Richtigen“, auf den sie wartet, erblickt zu haben (man könnte auch sagen, dass ihr zuvor gegenüber Zdenka geäußerter Glauben daran, dass es diesen „Richtigen“ gebe, gerade durch die Begegnung mit dem Fremden ausgelöst wurde). Hier psychologisch stimmig, hat das betreffende Motiv, der Beginn der Melodie von „Aber der Richtige“, indessen auch einen seltsamen Auftritt, als Mandryka zu Waldner im ersten Akt äußert, dass „jeder Atemzug“ in Wien „Geld“ koste (1. Horn und 2. Violinen, bei „morgen fahr’ ich in dem Kaiser seine Hauptstadt, da kostet Geld ein jeder Atemzug“, genau auf das Wort „Geld“). Der „Richtige“ wird musikalisch in ein merkwürdiges Zwielicht gesetzt: Er ist es in dieser Funktion und Rolle, gleichsam als ersehnter Märchenheld, eben auch für den finanziell abgebrannten Vater Arabellas. Liebe als Ware, Verlobung als Tauschhandel – Mandryka spielt das von Waldner eingefädelte Spiel durchaus virtuos mit, und nur der allzu schöne Zufall, dass die Angelegenheiten der Ökonomie und des Herzens sich harmonisch zusammenfügen, bewahrt dem „reichen Tugendbold“ (so Strauss) seinen arg gefährdeten Nimbus als Sympathieträger.

Schlager als Zitate

Strauss verzichtet in ARABELLA also keineswegs auf sein Markenzeichen einer psychologisierenden Leitmotivik und macht das Orchester zum Medium jenes „Beziehungszaubers“, den Thomas Mann schon an Wagner bewunderte. Aber er trägt Hofmannsthals Intention einer größeren Einfachheit, Leichtigkeit und Fasslichkeit dadurch Rechnung, dass er regelrechte „Schlager“ interpoliert, in denen das Orchester hinter die Entfaltung eingängiger Gesangsmelodien zurücktritt und die, tatsächlich auch separat veröffentlicht, gleichsam bereits die Möglichkeit ihrer Auskopplung für Schallplatten-Querschnitte zu implizieren scheinen (so die These Katharina Hottmanns). Es handelt sich um die bereits erwähnte Nummer „Aber der Richtige, wenn’s einen gibt für mich auf dieser Welt“, von Arabella angestimmt und dann zum Zwiegesang mit Zdenka erweitert, und um das berückende Duett Arabella/Mandryka im zweiten Akt („Und du wirst mein Gebieter sein“): Musik, die fast zu schön ist, um wahr zu sein, zumal sie das Motiv der Liebe auf den ersten Blick zwischen zwei Menschen, die sich gar nicht kennen, in irrealer Weise überzeichnet. Genauer gesagt inszenieren Strauss und Hofmannsthal die Beziehung zwischen Arabella und Mandryka hintersinnig als ein Lebendigwerden bekannter Opernszenen: Mandryka hat sich wie Mozarts Tamino in das Bildnis Arabellas verliebt, in eine Fotografie, die sie im „stahlblauen Ballkleid mit Schwanenbesatz“ zeigt. Sowohl die emblematische Farbe Blau als auch der „Schwanenbesatz“ korrespondieren damit, dass Arabella, wie ein Zitat im Orchester verrät, ausgerechnet Wagners LOHENGRIN gesehen hat, als sie „gestern abend […] mit der Mama“ die Oper besuchte. Ihre sofort erwachte Zuneigung zu dem Fremden auf der Straße, der ihr unmittelbar als der „Richtige“ erscheint, mag also durch eine träumerisch-naive Identifikation mit Elsa konditioniert sein, so dass sie Mandryka gleichsam als in die Realität getretenen Lohengrin wahrnimmt, aus dem fernen, unbekannten „Slawonien“ zu ihr kommend wie der Schwanenritter von der sagenhaften Gralsburg Monsalvat.

Die genannten „Schlager“ – „Aber der Richtige“ und „Du wirst mein Gebieter sein“ – stehen also schon dramaturgisch in seltsamen Anführungszeichen. Und dies trifft auch auf die Musik zu, denn Strauss leitet die betörenden Melodien beider Nummern, wie er in der Partitur durch Fußnoten offenlegt, von „südslawischen Volksweisen“ ab, die er einer von Franjo Šaver Kuhač zusammengestellten Sammlung entnahm (Južno-slovjenske narodne popievke, 4 Bände, Zagreb 1878–1881). Bemerkenswerterweise dient die klangliche Evokation eines exotischen „Anderen“ also gar nicht primär der Charakterisierung Mandrykas, auch wenn dieser – laut Hofmannsthal – „aus einer halb-fremden Welt (Kroatien)“ komme und mit der „Weite des großen halb-slawischen Österreich […] eine ganz andere Luft“ in die „Wienerische Komödie […] einströmen“ lasse; Strauss nahm sich hier offenbar Hofmannsthals Warnung zu Herzen, dass die „Figur“ keinesfalls „ein Automat für kroatische Volksweisen“ werden dürfe (Brief vom 22. Dezember 1927). Zu einem Zeitpunkt, da über Mandryka noch gar nichts bekannt ist, markiert der herbeizitierte, angeeignete Tonfall vielmehr Arabellas Glauben an den „Richtigen“ und stempelt das damit verbundene Gefühl solchermaßen zu einer quasi künstlichen Angelegenheit, eher durch Opern- und (womöglich) Operettenbesuche erzeugt als durch Lebenserfahrung, vage angestachelt von dem Umstand, dass Arabella den „Fremden“ auf der Straße in Begleitung eines „Leibhusaren“ sah, was sie zu dem Schluss bringt, er müsse „aus Ungarn oder aus der Walachei“ stammen.

Arabellas und Mandrykas Liebe zueinander erscheint also zunächst eher als ein bloßes „Traumbild“ (Adrian Kech), das Strauss und Hofmannsthal ironisch auf die abgewirtschaftete Realität des dekadenten Wien der 1860er Jahre prallen lassen. Wenn Mandryka im ersten Akt dem bankrotten Waldner mit geöffnetem Portemonnaie den Mund wässrig macht („Teschek, bedien’ dich!“), dann aber das Angebot, er könne Arabella umgehend sehen, ausschlägt, da es sich für ihn hier „um etwas Heiliges“ handle, bringt Strauss die Rührseligkeit dieser Anwandlung doppelbödig zum Tragen: Der mit Solo-Horn, Posaunen, Fagotten und Streichern fast übersatt instrumentierte, hymnische E-Dur-Gesang, auf das Verlobungsduett vorausweisend, zerplatzt förmlich an Waldners lakonischer Erwiderung („Ganz wie du willst“).

Indem Strauss die Sentimentalität, ja den von ihm später gegenüber Stefan Zweig offen als seine eigentliche „Begabung“ namhaft gemachten „Kitsch“, zu dem er auch das „Arabelladuett“ rechnet, gewissermaßen in forcierter Künstlichkeit ausstellt, verwandelt er sie in etwas Sentimentalisches, schreibt ihnen sozusagen das Bewusstsein ein, dass sich solches eben nicht mehr naiv herstellen, sondern nur noch erinnern, zitieren lässt.

Doch damit ist das letzte Wort der Oper nicht gesprochen. Wenn sich Arabella am Ende mit der Verlobungszeremonie des überreichten Wasserglases zu Mandryka bekennt, tut sie dies im Bewusstsein, dass er keineswegs jenes herbeiphantasierte Idealbild eines Märchenritters à la Lohengrin ist, für das sie ihn hielt, sondern ein Wesen aus Fleisch und Blut mit allen Fehlern und Schwächen. Der im irrealen E-Dur-Duett des zweiten Aktes zum Klingen gebrachte Traum mag zerstoben sein, aber ihm folgt, um nochmals Adorno zu zitieren, vielleicht das „Erwachen […] in eine klarere, menschlichere“ Welt. Erneut ruft Strauss dazu die „südslawischen Volksweisen“ auf, jene, die er für „Aber der Richtige“ verwendet hatte, sogar in der bei Kuhač zu findenden, schlichten Originalgestalt, die im ersten Akt durch Dehnungen gewissermaßen künstlich aufgehübscht worden war („Und so sind wir Verlobte und Verbundene auf Leid und Freud und Wehtun und Verzeihn!“). Das Mittel bleibt das Gleiche, aber nach den Irrungen und Wirrungen des Handlungsgeschehens erreicht Strauss eine emotionale Vertiefung, die selbst für Adornos Ohren das Utopische zu streifen scheint – zumindest als Option. Denn wo die Rührung übermächtig zu werden droht, naht das Rettende der ironischen Brechung. Bei Arabellas letzter Gesangsphrase lässt Strauss einen Es-Dur-Septakkord des vollen Orchesters feierlich ins Fortissimo anschwellen, als seien nunmehr die Weichen für einen lyrischen Ausklang gestellt, der es mit dem ROSENKAVALIER-Schlussterzett aufnehmen könnte. Doch es kommt anders: Die Spannung verpufft, der besagte Akkord sackt unvermutet eine kleine Terz nach unten (C-Dur-Septakkord), und während Arabella, nachdem sie Mandryka geküsst hat, die Treppe hinauf enteilt, geht es „sehr stürmisch“ dem Ende zu – mit einem kurzen orchestralen Epilog, der ausgerechnet die Tonart von Arabellas „Aber der Richtige“ bestätigt (F-Dur). Hat die Titelheldin also doch nichts dazugelernt? Oder zeigt sich hier einfach mit einem Augenzwinkern, dass es eben gar nicht so leicht ist, von Sentimentalitäten Abschied zu nehmen, selbst im Wissen um deren Scheinhaftigkeit? Arabellas entschuldigende Forderung gegenüber Mandryka wäre in diesem Sinne zugleich eine gegenüber dem Publikum: „Ich kann nicht anders werden, nimm mich, wie ich bin!“